中国绘画的写意之美与西方绘画的写实之美论文

 

 

 

　　中国画，又称国画，是中国传统绘画艺术的统称，源远流长，具有深厚的文化底蕴。它以毛笔、水墨、宣纸为主要工具材料，注重笔墨技巧和画面的意境表达。国画是中国的传世瑰宝，在中华传统文化中地位极高，无数精妙绝伦的画作，在中国及世界艺术史上留下了浓墨重彩的一笔。在审美理念上中国画强调“意境”与“神韵”，追求“形神兼备”的艺术效果。它注重画家对自然与社会的深刻理解与情感表达，通过笔墨的运用来传达画家的主观情感与哲学思考。“以形写神”是中国画的核心审美追求之一。它要求画家在观察自然和社会时，不仅仅停留在表面的形态上，还要深入探究其内在的精神与神韵。在绘画过程中，画家要运用笔墨技巧，将所观察到的形态与内在精神相结合，通过形象的塑造来传达自己的情感与思考。这种“以形写神”的绘画方式，使得中国画具有了独特的艺术魅力和深刻的文化内涵。

 

　　写意画是国画的基本表现形式之一。《诗品》中提出“神存富贵，始轻黄金”，写意画没有在画面中过多的表现细节和颜色的变化，在简单的画面中表现更加丰富。写意的“意”字表达的是画家在创作过程中内心的感受，所以画家在创作过程中用自己内心的情感来表现画面，可以使画面充满意境。写意画的核心是画面中“笔墨”的运用，从宋元开始，“笔墨”在国画中的地位极高，笔墨中包含的是画家自身的情感和审美价值。

 

 

　　中国画历史悠久，原始的艺术是表现在器具上的，如西安半坡文化的《人面鱼纹彩陶盆》、庙底沟文化的《鹳鱼石斧彩陶缸》等。在战国时期就出现的帛画，《人物御龙图》和《人物龙凤图》是当时王公贵族随葬的经幡，其目的是希望墓主人在死后可以飞升成仙。《人物御龙图》表现的是墓主人御龙升天的场景，画面通过点线面的分布和黑白灰的布局来表现；《人物龙凤图》描绘的是双手合十祈祷的贵族妇女在龙凤的接引下升向天国。这些早期绘画表现的都是引魂升天的希冀，同时也奠定了中国画通过线来表现画面的造型基础。

 

　　到了魏晋南北朝时期，外来文化的传入与中华传统文化产生交融，这一时期多以表现宗教题材为主。东晋画家顾恺之画中的人物的衣服线条流畅飘逸，如其创作的《女史箴图》等。他善于通过淡墨晕染增强画面的质感，用强劲有力的线条来表现人物的五官尤其是对眼神的刻画。

 

　　隋唐时期，文化高度繁荣，绘画也呈现全面繁荣的场景。在这一时期，山水画开始作为独立的画种出现。展子虔的《游春图》反映了这一时期山水画的特点，这幅画同时也是中国青绿山水画的开端。

 

　　唐代是中国历史上繁荣鼎盛的时期，从这个时期的作品能够看出唐代艺术上的自信与豁达。唐代画家吴道子在绘画上大胆创新，他的画作品被称为“吴家样”，人物画被称为“吴带当风”。

 

　　五代两宋时期，中国画进一步发展，画面效果更加成熟，人物画开始描绘世俗生活，宗教画开始衰落，山水画与花鸟画逐步成为主流。北宋画家米芾的山水画风格独树一帜，其追求自然，创造了他的特点“米氏云山”。宋代的风俗画也达到了很高的艺术水平，《清明上河图》是北宋时期风俗画的巅峰。

 

　　明代以后，绘画流派纷呈，各领风骚。文人画、风俗画以及山水花鸟画非常盛行；水墨画的技法也在发展中不断创新。这一时期的创作宗旨更加强调抒写主观情趣，写意所表现的就是心灵感受、笔随意走。明代画家徐渭的代表作品《墨葡萄图》在酣畅淋漓的大写意笔墨中，追求葡萄似与不似的意境效果，注重气韵生动的画魂。

 

 

　　纵观中国美术史，中国画的产生与发展有着很深的文化根源，在历朝历代的发展中许多画家对国画产生了巨大的影响，留下了不胜枚举的名画，承载了每个时期的文化精神。

 

　　如：战国时期的《人物龙凤图》与《人物御龙图》是我国历史上最早的独幅人物画，奠定了中国画通过线来表现画面的造型基础，对后世的影响十分深远。北魏时期的绘画艺术是中国画史的重要组成部分。由宋徽宗时期王希孟创作的《千里江山图》，描绘了江南群山的层峦叠嶂，让人们依然能够在千百年以后的今天看到旧时风光。

 

 

 

　　油画是西方的主要画种之一，可以将油画的发展过程分为古典、近代、现代时期，不同时期的油画受着时代的艺术思想支配和技法的制约，呈现了不同的面貌，追求光影效果和空间透视的精准再现。油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。西洋绘画在审美理念上注重对客观世界的真实再现，追求光影、色彩和空间的准确表达，强调绘画的科学性和客观性。

 

 

　　14—16世纪的文艺复兴运动中，许多著名画家不再画单一的宗教题材，开始对日常生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘。这一时期，画家对人体结构、画面的构成也开始进行研究，通过点线面的分布、画面黑白灰的构成来丰富画面效果。

 

　　17世纪，一部分油画开始在画面中强调光，在画面中通过颜色的冷暖对比、光影的明暗强度对比和画面肌理所塑造的层次对比进行光的塑造，油画开始走向成熟。这一时期，西方也出现了许多杰出的艺术家，形成画面戏剧性气氛。

 

　　从18世纪开始，油画艺术也同样在社会、文化、科技等多元因素的冲击下，有了翻天覆地的变化。18世纪的洛可可艺术和贵族阶级紧密连接，画面更加轻松愉悦，大多表现了爱情故事。

 

　　19世纪，欧洲油画出现了有明确艺术主张的流派，主要体现在艺术主题和内容上，油画技法也相应各具面貌。康斯特布尔凭借对自然的观察感性地获得了补色原理，并在实践中部分地运用。自19世纪末以来，艺术家开始通过构图来表现他们认为的真实场景，如马奈的作品《春天》、莫奈的作品《日出·印象》《撑阳伞的女人》等。

 

　　20世纪，油画作品通过不同的艺术观念形成了不同的流派，传统油画技法被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。这一时期代表有毕加索的《亚威农少女》、安迪·沃霍尔的丝网版画《玛丽莲·梦露》等。

 

　　总之，西方油画技法的形成和发展经历了多个时期，风格各异，包括古代油画技法、文艺复兴时期、巴洛克时期、印象派和后印象派、现代和抽象派以及当代油画技法。

 

 

　　油画的流派分为两大类：第一类是以客观的再现为主的创造性作品；第二类是以主观表现为主的创造性作品。在第一类中如文艺复兴后出现的巴洛克、古典主义、现实主义、写实主义、印象主义等都是以再现自然为基础，表现了画家不同的思想与目的。

 

　　在巴洛克艺术中，画面语言强烈、夸张、华丽，这是巴洛克艺术的特点，代表人物有鲁本斯。鲁本斯的作品整体性极强，画面用笔放松不僵硬，他将高超的技巧和文艺复兴时期的人文主义思想结合起来，形成了一种画面极具气势、色彩丰富并且律动感强的独特风格。

 

　　古典主义以尊重古希腊、罗马的审美为原则，同时也是学院派在创作中遵循的原则。古典主义的代表有拉斐尔等。拉斐尔的作品中描绘圣母的画幅占绝大多数，其与达·芬奇和米开朗琪罗并称为文艺复兴“美术三杰”，拉斐尔的作品也被称为“人文主义及文艺复兴世界的顶峰”。

 

 

　　在造型艺术门类中，油画因其丰富的表现力和多样的表现手法，成为西方绘画中的主要画种之一，具有独特的美学价值。作为视觉艺术，油画作品的美首先是通过画面的外在形式表现出来的，也就是所谓的“形式美”。形式美是表现艺术美的重要因素之一，在油画作品中，是指通过画面效果、画面中使用的技法以及在创作过程中画面上所呈现的肌理展现油画的美。

 

　　自油画诞生至今，艺术家就一直在研究形与色的处理手法，力图通过这种手法创造出良好的艺术形象和自身的艺术风格。不同历史时期的不同流派，艺术家对造型和色彩表现上的侧重点各有不同，像古典主义的油画就偏重于造型的严谨，在色彩表现上比较单纯柔和；而浪漫主义画家既专注于造型的体现，同时又善于利用生动、活跃的色彩；印象派出现后，画家从自然的光色中领略到了色彩美妙，将色彩作为创作主要的元素，造型则更加写意，成为为色彩服务的附属。但不管作为哪种风格和流派，油画创作当中的造型与色彩都是相互关联、依存，同时又相互制约的。

 

 

　　写意与写实作为中西方艺术的重要表现形式和风格特征，在源起、发展、艺术特征、风格以及技法材料等多个方面都存在显著的差异。然而，正是这种差异使得中西方艺术各具特色、各有千秋。在全球化的今天，人们应该更加珍视和传承这些宝贵的文化遗产，积极推动中西方艺术的交流与融合，共同创造丰富多彩的艺术世界。