“无表情外观”在景观摄影中的应用论文

 

 

　　“无表情外观”风格的起源可以追溯到摄影的早期阶段，摄影师尝试捕捉自然景观的原始美和客观事实。现实主义摄影运动强调客观记录和自然呈现，这在一定程度上奠定了“无表情外观”在景观摄影中的基础。居伊·德波曾在《景观社会》中提到：“在现代生产条件无所不在的社会，生活本身展现为景观的庞大堆聚，直接存在的一切都转化为表象。”在摄影刚刚发展起来的时候，技术限制和摄影师的目的，导致了一种相对客观和不带情感的记录风格，但我们仍可以通过人物的穿戴配饰、环境造型来判断其社会地位以及其身份象征，这些藏在影像背后的精神内核给冰冷的照片带来了人文温度。加拿大摄影师爱德华·巴基斯顿于2006年在中国拍摄的纪录片《人造景观》被认为是动态景观作品的第一次“东方式主义的推广”，更是让西方对“无表情外观”的摄影美学有了普及性的认识，也让后人看到了当时的中国。

 

　　提到“无表情外观”，德国的贝歇夫妇是该摄影领域的领衔人物，两人相识于杜塞尔多夫学院，使用传统的8×10大画幅相机，以“冷静”“客观”的情感视角，共同记录下日渐消失的德国工业建筑，画面多以“网格状”划分，按照类型学的创作方法，拍下的建筑都具有严苛的风格，如同一个个缩小的几何体标本被统一归纳，略显死板和呆滞。后来两人继续发挥余热培养了大量优秀的摄影人才，进而推动了当代摄影艺术的发展进程。

 

　　安德烈亚斯·古尔斯基将“无表情外观”美学应用于更多类型的拍摄中，他的作品总是能让观众了然于心，向人们展示了各种各样的环境场所，并平静的表达：“看这里。”画面看似通俗易懂但仍需要观者细细品味。当摄影师面临“摄影只是机械性的简单复制”的尴尬局面时，古尔斯基则是选择强调景观的客观性，将媒介直白的表达形式与其单一的拍摄风格相结合。他的《99美分》系列更是获得高价拍卖，以彩色全景的大画幅拍摄风格将商品的视觉震撼力推向高潮，让观众从“上帝”视角观看当代艺术。他拍摄的作品画质都非常清晰，即使画面尺寸被放大到5米，依旧能观察到细节。古尔斯基擅长采用散点透视，将观众的注意力均匀地分布在画面中，并且他能够大胆使用色彩，显得柔和而不失自然，不仅继承了贝歇夫妇传统拍摄技术的优势，更是添加了摄影后期数字技术的处理，这使得他的画面拥有一种风景画般的壮观和华丽。

 

　　“无表情外观”除了起源于德国，还有另一个饱受争议的发源地——美国。纯粹摄影的开端通常被认为是1906年美国摄影师斯蒂格里茨的作品《三等舱》，在他的影响下很多摄影师便开启了研究纯粹摄影的道路。由爱德华·维斯顿、安塞尔·亚当斯等人组成的F64小组更使得纯粹摄影最终成为一种不同于其他艺术形式的独立艺术。主张深入自然的真实之景，展现事物细节的丰富质感，达到构成与造型的绝对严谨，摄影家刻意追求所谓的“摄影素质”：准确、自然、真实地表现被摄对象，纯粹摄影的出现从某种意义上也是对画意摄影风格的一种叛逆，早期人们沉迷于画意的朦胧美和虚幻美，如今摄影技术的提高也拓宽了艺术表达的呈现形式。

 

　　在此基础上，“新地形学”的诞生，成为摄影史的一个重大转折，它标志着对传统风景描绘的彻底改变，是人为改造的风景照片，更强调消除情感和观点的主观因素，创造出一种“无留白、勿过度”的纯粹视觉体验，在这种不带有情感偏向、纯净而客观的艺术语言下，照片成为人与自然无缝连接的见证，迎来了更广泛的创作方式和更包容的多元化变革。

 

 

　　《景观社会》中讲到“景观，是德波这种新的社会批判理论的关键词，原意为一种被展现出来的可视的客观景色、景象”。这一点与“无表情外观”在理论层面上不谋而合，因而能在景观摄影的表达中独树一帜。近十几年来景观摄影成为炙手可热的摄影类别，它伴随着城市化、工业化的进程，逐渐作为一种当代艺术的表现方式，继承了纪实摄影的真实性，又发扬了观念摄影的批判性，两者形成一种辩证的张力关系，使得景观摄影更富魅力。

 

　　“无表情外观”的景观摄影与纪实摄影的区别如下：讲到纪实摄影，大家会默认这张照片的真实性，是对客观事物的客观记录，但在拍摄时摄影师会有选择地拍摄、选取画面的内容，并不能展示事情的完整性，并且会以主观的态度处理图片。这个拍摄过程就会影响我们看图像的方式，也就间接地阻碍我们对客观事件的判断能力。而“无表情外观”在景观摄影中就完美地展现出其优势，它始终强调要排除被摄物本身的所有情绪表达和主观思想，摄影师在拍摄时要保持中立客观的态度，在拍摄前先预设拍摄效果，画面采用统一的拍摄规则。这种拍摄的美学风格，能够最大限度地保持画面的“全貌”，展现表现力和批判力，以及让观众深刻体会其中的内涵。

 

　　“无表情外观”的景观摄影与观念摄影的区别如下：两者之间的主要区别在于其目的和表现形式。观念摄影强调摄影作品的观念性和艺术性，通常通过符号、抽象或概念性的元素来表达摄影师的想法、情感或思想。而景观摄影则更侧重于捕捉自然或人工环境中的美景和景观，强调景色的美感和情感连接。21世纪以来，伴随城市化进程的加快，摄影家逐渐将镜头对准具有时代特征的社会事物，社会、环境、文化问题都成为老百姓生活中所面临的严峻挑战。在写实主义的前提下充满主观意识，当代景观摄影很大一部分也是受到情感观念驱动而创作的，这进一步促进了摄影创作中“纪实性”和“观念性”的完美融合，也让观众提高了对艺术作品的审美能力和鉴赏能力，这种清冷的“无表情外观”的创作方式，奠定了景观摄影在摄影艺术创作中的一席之地。

 

 

　　中西景观摄影艺术的共性不言而喻，但差异也客观存在。这种差异源于中西传统文化、观念、哲学、审美观念的差异，体现在创作技巧、目的、侧重点等诸多方面。因而镜头下的景观作品也复杂多样。

 

　　河流是一个国家的命脉，摄影师马丁·帕尔曾说：“如果美国有心跳，那他的大动脉便是绵延的密西西比河。”在美国当代摄影师埃里克·索斯的镜头下，通过诗意的方式记录了美国河畔的风景和各色的社会人物。他的成名作《眠于密西西比河》主题具有多元性，包涵了美国人的宗教信仰、社会底层的各色职业、自然风景等，向观众展示了美国人的真实细腻的生活，平淡而普通。以亲切自然的叙事方式娓娓道来，捕捉美国人自由的现实生活，将多愁善感的情绪隐藏其中，却以彩色的画面展现出来，弥漫着平庸却令人难以忘怀的迷人气息。

 

　　黄河被中国人称为“母亲河”，《诗经》中“河水洋洋，北流活活”便描写了黄河水流的声音。《北流活活》是中国当代艺术家张克纯拍摄黄河的成名作，其曾连续3年在黄河流域进行拍摄，从入海口一路向西，最终到达青海，记录了沿途人民的生活百态。他的画面选择了横构图，以山水作为主角，展示出寂静荒凉的气氛。同时受到宋代绘画作品的熏陶，更贴近文人山水画的柔和色调，往往采用阴天的氛围拍摄，运用“无表情外观”的拍摄规则，呈现出安静祥和的超现实主义画面。伴随着城市化进程，人类作为画面中唯一的强烈色彩，被包裹在自然环境中，显得尤为渺小，这也隐含了人与自然的关系，衬托出作者对这条河流能够包罗万象的胸怀以及孕育生命的敬畏。

 

　　总之，埃里克·索斯的《眠于密西西比河》通过其独特的视角和敏锐的观察力，将河流沿岸的人物和生活都描写得栩栩如生，让观众感受到大自然的壮丽景色和人类的多元文化，更体现了摄影作为一种记录和表达手段的无限可能性。张克纯的《北流活活》通过照片传达了在历史长河中，黄河流域的变迁和变化，联系了自然环境、生态和人与重工业，融入了人自己对黄河流域的思考，他用影像向人们传达自然的美，引起观众对保护环境的思考。密西西比河和黄河对各自国家都有着重要意义，对后世产生了深远的影响，让更多人关注当地的风土人情和文化历史，两组不同河流的图片呈现的是现实与隐喻的结合。

 

　　在全球经济发展的推动下，“无表情外观”的拍摄方式成为这一时期摄影家基于社会现实选择的艺术创作的宠儿，为景观摄影提供了新的构图方式、题材内容、观念传达，推动了景观摄影的发展，衍生出积极的作用和意义。

 

 

　　“无表情外观”于景观摄影的应用伴随城市发展的每一步进程，在全球化时代背景下，艺术的表现形式也呈现多元化的风格。摄影家用敏锐的洞察力，感受当下社会，透过镜头以“纪实”的形式暗含“观念”的创作，表达在经济转型下社会存在的问题，既直观表达又内涵其中。因此可以多从空间的表象中寻找独特视角，景观摄影的发展前景不可限量。